domingo, 9 de mayo de 2010
domingo, 11 de abril de 2010
Síntesis: Fotografía de Moda
Conseguir una modelo es sencillo, pero caro. Las agencias que "rentan" a estas personas cobran por hora y hay que tener muy en claro que es lo que deseamos para nuestra fotografía o que es lo que anhelamos vender en ese momento.
El recurso de una modelo profesional
Para ser modelo no solo hay que ser linda, hay que tener experiencia. Alguien así sabrá que ponerse en el momento y que es lo más elegante para nuestra fotografía, además de que sabe como moverse ante las cámaras y como posar.Una chica insegura es más difícil que se mueve con destreza en la cámara, ya que se pondrá nerviosa o hasta inquieta. Además que una modelo profesional nos podría ayudar con su propio maquillaje, ya que ella sabría como mezclar los tonos con las vestimentas.
Retrato de pose
Debemos mover y dirigir a nuestra modelo para resaltar su cuerpo o sus facciones, así llamará la atención del público de ambos sexos. Esto hará que vean la vestimenta que vendamos.
Uso de accesorios
Los detalles son esas pequeñas cosas que le dan estilo o más belleza a nuestra modelo, es como un pastel, si lo adornamos con accesorios de aretes de chantillí o hermosas joyas de cereza lucirá más atractivo.
CONSEJOS PROFESIONALES:
Tener a la mano un buen número de accesorios que permitan ensayar distintos tipos de imágenesHablar con la modelo y DIRIGIR CADA UNO DE SUS MOVIMIENTOSBuscar a alguien que ayude con el pelo y el maquillajeCuando se realice una sesión de moda, hay que asegurarse de que el aspecto de las modelos es completamente perfecto, ya que las fotos deben tener el atractivo de que carece la vida real.
Buscar un decorado o fondo que le convenga y finalmente se recomienda tomar muchas fotografías para sacar el máximo provecho de la sesión.
Un primer plano se logra acercando la cámara al sujeto, de esta forma se centra la atención en las características del rostro y en su expresión. En un primer plano es esencial que la iluminación no tenga ningún fallo. La luz suave, homogénea, como la de una ventana o un flash con difusor, resulta más favorecedora que la luz directa y dura que tiende a potenciar la arruga más pequeña o un cabello fuera de lugar.
La fotografía bien puede ser considerada como un medio especialmente transformable debido a la diversidad de tratamientos, reciclajes y manipulaciones que se le pueden dar a la imagen a partir de la pieza matriz. En la fotografía de moda, la transformación que sufren las imágenes es eminente, ya que en la producción de éstas se busca representar la perfección. La fotografía se caracteriza por ser un medio útil, una técnica al servicio de una práctica o proyecto; en la fotografía de moda, la imagen se pone al servicio de la actitud que finalmente se convierte en una forma de expresión.
Roland Barthes, en su libro El sistema de la moda, define la fotografía de moda como “la fotografía de la vestimenta” y debe, necesariamente, transmitir deseos, despertar envidias y hacer soñar a aquel que la ve, a través de las prendas. Para ser buena, una fotografía de moda tiene que hablar de moda y decir algo acerca del momento actual; mostrar tendencias, hábitos y hasta obsesiones colectivas. Una vez que los deseos que provoca estén satisfechos y olvidados, esta imagen se convierte en registro visual de la historia.
La naturaleza y el valor de una imagen fotográfica dependen de quien la produce y de su circuito de distribución, tendremos que concluir que una imagen de moda tiene su propio lenguaje y es necesario considerar varios factores para poder leerla correctamente: quién la tomó, dónde se publica, a qué público está dirigida, en qué momento histórico, cómo está colocada la prenda, quién es la modelo, etcétera.
El fotógrafo de moda busca con el dinero de la gran industria de la moda registrar y publicar sus propias interrogaciones y, a diferencia de un artista, no necesita ni de un museo, ni de una galería, ni de un crítico o un curador para transmitir su mensaje.
Para muchos fotógrafos, la moda es tan sólo uno de los géneros que trabajan; algunos son fotorreporteros, como Richard Avedon; otros, directores o fotógrafos de cine como William Klein; ciertos otros, artistas, como Wolfgang Tillmans. Su actitud hacia la moda se presenta de una manera tan ambivalente que los resultados visuales generan interesantes propuestas estéticas.
El recurso de una modelo profesional
Para ser modelo no solo hay que ser linda, hay que tener experiencia. Alguien así sabrá que ponerse en el momento y que es lo más elegante para nuestra fotografía, además de que sabe como moverse ante las cámaras y como posar.Una chica insegura es más difícil que se mueve con destreza en la cámara, ya que se pondrá nerviosa o hasta inquieta. Además que una modelo profesional nos podría ayudar con su propio maquillaje, ya que ella sabría como mezclar los tonos con las vestimentas.
Retrato de pose
Debemos mover y dirigir a nuestra modelo para resaltar su cuerpo o sus facciones, así llamará la atención del público de ambos sexos. Esto hará que vean la vestimenta que vendamos.
Uso de accesorios
Los detalles son esas pequeñas cosas que le dan estilo o más belleza a nuestra modelo, es como un pastel, si lo adornamos con accesorios de aretes de chantillí o hermosas joyas de cereza lucirá más atractivo.
CONSEJOS PROFESIONALES:
Tener a la mano un buen número de accesorios que permitan ensayar distintos tipos de imágenesHablar con la modelo y DIRIGIR CADA UNO DE SUS MOVIMIENTOSBuscar a alguien que ayude con el pelo y el maquillajeCuando se realice una sesión de moda, hay que asegurarse de que el aspecto de las modelos es completamente perfecto, ya que las fotos deben tener el atractivo de que carece la vida real.
Buscar un decorado o fondo que le convenga y finalmente se recomienda tomar muchas fotografías para sacar el máximo provecho de la sesión.
Un primer plano se logra acercando la cámara al sujeto, de esta forma se centra la atención en las características del rostro y en su expresión. En un primer plano es esencial que la iluminación no tenga ningún fallo. La luz suave, homogénea, como la de una ventana o un flash con difusor, resulta más favorecedora que la luz directa y dura que tiende a potenciar la arruga más pequeña o un cabello fuera de lugar.
La fotografía bien puede ser considerada como un medio especialmente transformable debido a la diversidad de tratamientos, reciclajes y manipulaciones que se le pueden dar a la imagen a partir de la pieza matriz. En la fotografía de moda, la transformación que sufren las imágenes es eminente, ya que en la producción de éstas se busca representar la perfección. La fotografía se caracteriza por ser un medio útil, una técnica al servicio de una práctica o proyecto; en la fotografía de moda, la imagen se pone al servicio de la actitud que finalmente se convierte en una forma de expresión.
Roland Barthes, en su libro El sistema de la moda, define la fotografía de moda como “la fotografía de la vestimenta” y debe, necesariamente, transmitir deseos, despertar envidias y hacer soñar a aquel que la ve, a través de las prendas. Para ser buena, una fotografía de moda tiene que hablar de moda y decir algo acerca del momento actual; mostrar tendencias, hábitos y hasta obsesiones colectivas. Una vez que los deseos que provoca estén satisfechos y olvidados, esta imagen se convierte en registro visual de la historia.
La naturaleza y el valor de una imagen fotográfica dependen de quien la produce y de su circuito de distribución, tendremos que concluir que una imagen de moda tiene su propio lenguaje y es necesario considerar varios factores para poder leerla correctamente: quién la tomó, dónde se publica, a qué público está dirigida, en qué momento histórico, cómo está colocada la prenda, quién es la modelo, etcétera.
El fotógrafo de moda busca con el dinero de la gran industria de la moda registrar y publicar sus propias interrogaciones y, a diferencia de un artista, no necesita ni de un museo, ni de una galería, ni de un crítico o un curador para transmitir su mensaje.
Para muchos fotógrafos, la moda es tan sólo uno de los géneros que trabajan; algunos son fotorreporteros, como Richard Avedon; otros, directores o fotógrafos de cine como William Klein; ciertos otros, artistas, como Wolfgang Tillmans. Su actitud hacia la moda se presenta de una manera tan ambivalente que los resultados visuales generan interesantes propuestas estéticas.
miércoles, 31 de marzo de 2010
domingo, 21 de marzo de 2010
Fotografía de Retrato
Un retrato no es aquel que solo muestra la apariencia física de una persona, sino la que llega a captar la esencia de la persona y muestra su personalidad. El retrato es aquella extensión del rostro hecha movible.
*Fotografiar a persona
El ambiente tiene que ser el adecuado para la persona, las luces y el trabajo tienen que ser perfectos en un sentido técnico. Debemos adecuarnos al rostro del cliente y mejorar las partes que le desfavorecen.
Un retrato se puede tomar sin conocer al modelo o cliente, y se puede convertir en una situación de pago o deber a comodidad del cliente.
*¿Qué es lo que hace que un retrato sea bueno?
El generar una emoción en el cliente o en el espectador, eso es interesante. No siempre una imagen estática es la predilecta, la expresión lo es todo en un retrato, desde una sonrisa hasta hacer llorar a un bebe; si se puede fotografiar a la persona en su ambiente o algo que le provoque mayor comodidad, eso es lo que hace a un retrato bueno.
*Describir la personalidad del retratado
El retrato espontáneo y natural, eso es muy importante. Son las lineas en las que se basa el fotógrafo para una imagen perfecta, también hacer sentir como y no aburrir al modelo, además de provocar un ambiente donde no tenga miedo fatal a las cámaras y flashes.
*Iluminación
Hay que experimentar con distintos matices de luz, todo depende del modelo. También en el mayor de los casos usar una luz suave y difusa es lo más recomendado, todo poco a poco sabremos cual es la luz adecuada.
*Luz de una ventana
Generalmente suele darnos una luz difusa, suave y natural. En caso de ser mayor, usar una sabana, esto difuminará la luz.
*Flashes de estudio y lamparas de tungsteno
Debemos usar una luz de tungsteno a 45º de nuestra modelo, un poco por encima de su cabeza con un reflector en el lado opuesto para llenar las sombras.
Podemos difuminar la luz con un paraguas reflector o una manta hasta papel vegetal, es importante tenerlo a cierta distancia para que no se queme. Si cambiamos la luz principal a 90º de nuestra modelo la sombra será diferente.
*Usar más de una luz
Si añadimos otro foco se podrá iluminar el pelo a contra luz o aumentar el brillo del fondo. Para iluminar el pelo hay que elevar la segunda luz por detrás y a un lado del sujeto y utilizar un cono, un accesorio que sirve para estrechar el haz de luz.
*Flashes mobiles
Además de usar luces artificiales estáticas, podemos rebotar nuestros flashes a la pared, esto provocará un equilibrio en el lugar y nos funciona en lugares totalmente blancos o de colores claros.
*Fotografiar a persona
El ambiente tiene que ser el adecuado para la persona, las luces y el trabajo tienen que ser perfectos en un sentido técnico. Debemos adecuarnos al rostro del cliente y mejorar las partes que le desfavorecen.
Un retrato se puede tomar sin conocer al modelo o cliente, y se puede convertir en una situación de pago o deber a comodidad del cliente.
*¿Qué es lo que hace que un retrato sea bueno?
El generar una emoción en el cliente o en el espectador, eso es interesante. No siempre una imagen estática es la predilecta, la expresión lo es todo en un retrato, desde una sonrisa hasta hacer llorar a un bebe; si se puede fotografiar a la persona en su ambiente o algo que le provoque mayor comodidad, eso es lo que hace a un retrato bueno.
*Describir la personalidad del retratado
El retrato espontáneo y natural, eso es muy importante. Son las lineas en las que se basa el fotógrafo para una imagen perfecta, también hacer sentir como y no aburrir al modelo, además de provocar un ambiente donde no tenga miedo fatal a las cámaras y flashes.
*Iluminación
Hay que experimentar con distintos matices de luz, todo depende del modelo. También en el mayor de los casos usar una luz suave y difusa es lo más recomendado, todo poco a poco sabremos cual es la luz adecuada.
*Luz de una ventana
Generalmente suele darnos una luz difusa, suave y natural. En caso de ser mayor, usar una sabana, esto difuminará la luz.
*Flashes de estudio y lamparas de tungsteno
Debemos usar una luz de tungsteno a 45º de nuestra modelo, un poco por encima de su cabeza con un reflector en el lado opuesto para llenar las sombras.
Podemos difuminar la luz con un paraguas reflector o una manta hasta papel vegetal, es importante tenerlo a cierta distancia para que no se queme. Si cambiamos la luz principal a 90º de nuestra modelo la sombra será diferente.
*Usar más de una luz
Si añadimos otro foco se podrá iluminar el pelo a contra luz o aumentar el brillo del fondo. Para iluminar el pelo hay que elevar la segunda luz por detrás y a un lado del sujeto y utilizar un cono, un accesorio que sirve para estrechar el haz de luz.
*Flashes mobiles
Además de usar luces artificiales estáticas, podemos rebotar nuestros flashes a la pared, esto provocará un equilibrio en el lugar y nos funciona en lugares totalmente blancos o de colores claros.
lunes, 8 de marzo de 2010
Video "Tips" Foto de Producto
El video blog del fotógrafo nos muestra como lograr una fotografía de calidad utilizando productos accesibles y funcionales; logrando así un mayor realce de los productos destinados a ser vendidos.
Lo principal para el fotógrafo es la manipulación de las luces, los fondos, los flashes y la distancia entre ellos para obtener resultados en los que se destaquen detalles que son únicos en los productos, como por ejemplo los herrajes metálicos en una bolsa de piel negra.
El hilo transparente es básico para dar soporte a cadenas, asas o joyería en general; pienso que un buen posicionamiento dentro del estudio es básico para reflejar lo mejor del producto.
Sé también que para colocar de forma vertical algunos objetos pequeños como pueden ser aretes o cosas por el estilo, se puede utilizar unas cuantas gotas de cera derretida para que los objetos tengan un soporte racticaménte invisible.
Me gustó el video por que los “tips” están expuestos de una forma muy sencilla, y el fotógrafo es muy alentador al recordar que con un poco de imaginación y utilizando recursos a la mano se pueden obtener resultados innovadores y extraordinarios en calidad visual. <3
Lo principal para el fotógrafo es la manipulación de las luces, los fondos, los flashes y la distancia entre ellos para obtener resultados en los que se destaquen detalles que son únicos en los productos, como por ejemplo los herrajes metálicos en una bolsa de piel negra.
El hilo transparente es básico para dar soporte a cadenas, asas o joyería en general; pienso que un buen posicionamiento dentro del estudio es básico para reflejar lo mejor del producto.
Sé también que para colocar de forma vertical algunos objetos pequeños como pueden ser aretes o cosas por el estilo, se puede utilizar unas cuantas gotas de cera derretida para que los objetos tengan un soporte racticaménte invisible.
Me gustó el video por que los “tips” están expuestos de una forma muy sencilla, y el fotógrafo es muy alentador al recordar que con un poco de imaginación y utilizando recursos a la mano se pueden obtener resultados innovadores y extraordinarios en calidad visual. <3
domingo, 7 de marzo de 2010
Síntesis Bodegón y Foto de Producto
Un genero fotográfico son los distintos temas de la fotografía. La clasificación nos sirven para:
· Disponer la ubicación de las fotografías y poder localizarlas en un archivo sin problemas.
· Mostrar una categoría básica según la cual se pueden agrupar las imágenes cuando, por ejemplo, las mandamos a un concurso fotográfico.
Las demandas sociales hicieron que los géneros se determinaran por las necesidades que se eran primordiales en ese momento a tratar. Los temas más similares a la pintura fueron adoptados por la fotografía en su primera instancia; estos géneros son:
· Retrato
· Paisaje
· Naturaleza muerta
El cuarto genero que nació solo para la fotografía es "El reportaje". Considerado el genero fotográfico por excelencia.
El uso del bodegón fue principalmente usado en el siglo XVI, que antes era llamado naturaleza muerta , la cual era usada principalmente usada en interiores y se le llama bodegón porque era representada con elementos de cocina, bodegas y despensas.
Actualmente la principal aplicación del bodegón es la fotografía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada.
El Bodegón, Foto de producto o Naturaleza Muerta.
Conjunto de objetos colocados de alguna manera que el auto decida. Este tipo de fotografía tiende las acciones de la música o de alguna pintura, es generar emociones, bueno emociones de alimentarse. Todo esto buscando posiciones que generen cierta emotividad o alguna relación entre colores y objetos.
Fotografiar comida
Los ingredientes son la clave, desde las frutas que se ven sencillas hasta las tienen que provocar una sed de alimentarse o de hambre en el cliente. Es una rama esencial en la rama de la fotografía comercial y como profesional hay que darles buena apariencia a los productos.
Componer una naturaleza muerta:
Para tener una buena fotografía hay que tener una buena relación entre bodegón y naturaleza. Se debe hacer un orden de elemento a elemento. Acomodando el objeto más importantes o el más sobresaliente, se debe calibrar bien los objetos para tener una satisfactoria imagen.
FOTOS DE ALIMENTOS
Comestibles
La forma, color y textura son las que hacen interesantes a la imagen, todo esto bien colocado. La posición de los objetos puede ser normal o en un aparente desorden. A veces conviene añadir personas y algún decorado para una mejor fotografía (banquetes, comida campestre, etc.) Para dar un toque de sal, las personas pueden estar cultivando, cocinando o comiendo los alimentos. Los platos y cuchillos son esenciales para una mejor presentación.
Bebidas frias:
Los productos requieren un cierto tratamiento cosmético, teñido, recubrimiento con glicerina para dar brillo o condensación inducida. En este caso, la fotografía se preparó con botellas vacías, sacando otras de la nevera justo antes de disparar. Iluminación: flash electrónico difuso y un espejo para relleno.
FOTOS COMESTIBLES:
Las fotografías culinarias deben resultar tan creíbles como atractivas. Pueden usarse trucos, como en el caso de los crepes de abajo, pero el resultado final tiene que ser una fotografía realista con el aspecto que ofrecerá el plato si se prepara y se sirve según las reglas.
· Disponer la ubicación de las fotografías y poder localizarlas en un archivo sin problemas.
· Mostrar una categoría básica según la cual se pueden agrupar las imágenes cuando, por ejemplo, las mandamos a un concurso fotográfico.
Las demandas sociales hicieron que los géneros se determinaran por las necesidades que se eran primordiales en ese momento a tratar. Los temas más similares a la pintura fueron adoptados por la fotografía en su primera instancia; estos géneros son:
· Retrato
· Paisaje
· Naturaleza muerta
El cuarto genero que nació solo para la fotografía es "El reportaje". Considerado el genero fotográfico por excelencia.
El uso del bodegón fue principalmente usado en el siglo XVI, que antes era llamado naturaleza muerta , la cual era usada principalmente usada en interiores y se le llama bodegón porque era representada con elementos de cocina, bodegas y despensas.
Actualmente la principal aplicación del bodegón es la fotografía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada.
El Bodegón, Foto de producto o Naturaleza Muerta.
Conjunto de objetos colocados de alguna manera que el auto decida. Este tipo de fotografía tiende las acciones de la música o de alguna pintura, es generar emociones, bueno emociones de alimentarse. Todo esto buscando posiciones que generen cierta emotividad o alguna relación entre colores y objetos.
Fotografiar comida
Los ingredientes son la clave, desde las frutas que se ven sencillas hasta las tienen que provocar una sed de alimentarse o de hambre en el cliente. Es una rama esencial en la rama de la fotografía comercial y como profesional hay que darles buena apariencia a los productos.
Componer una naturaleza muerta:
Para tener una buena fotografía hay que tener una buena relación entre bodegón y naturaleza. Se debe hacer un orden de elemento a elemento. Acomodando el objeto más importantes o el más sobresaliente, se debe calibrar bien los objetos para tener una satisfactoria imagen.
FOTOS DE ALIMENTOS
Comestibles
La forma, color y textura son las que hacen interesantes a la imagen, todo esto bien colocado. La posición de los objetos puede ser normal o en un aparente desorden. A veces conviene añadir personas y algún decorado para una mejor fotografía (banquetes, comida campestre, etc.) Para dar un toque de sal, las personas pueden estar cultivando, cocinando o comiendo los alimentos. Los platos y cuchillos son esenciales para una mejor presentación.
Bebidas frias:
Los productos requieren un cierto tratamiento cosmético, teñido, recubrimiento con glicerina para dar brillo o condensación inducida. En este caso, la fotografía se preparó con botellas vacías, sacando otras de la nevera justo antes de disparar. Iluminación: flash electrónico difuso y un espejo para relleno.
FOTOS COMESTIBLES:
Las fotografías culinarias deben resultar tan creíbles como atractivas. Pueden usarse trucos, como en el caso de los crepes de abajo, pero el resultado final tiene que ser una fotografía realista con el aspecto que ofrecerá el plato si se prepara y se sirve según las reglas.
domingo, 28 de febrero de 2010
lunes, 22 de febrero de 2010
Reseña Video
En mi opinión creo que el video es bastante claro al explicar cuales son los pasos y precauciones más importantes al armar el equipo de flash.
En cuanto a los consejos sobre como tomar un retrato, me pareció extremadamente fácil la forma en que el fotógrafo arreglaba con artículos ordinarios algunas fallas y de esta manera lograba que las fotografías finales estuvieran llenas de contrastes armoniosos y un alto grado de calidad.
Este video me mostro como es necesario prestar atención a simples detalles para poder identificarlos, modificarlos y realzar aspectos positivos en nuestras fotografías.
En cuanto a los consejos sobre como tomar un retrato, me pareció extremadamente fácil la forma en que el fotógrafo arreglaba con artículos ordinarios algunas fallas y de esta manera lograba que las fotografías finales estuvieran llenas de contrastes armoniosos y un alto grado de calidad.
Este video me mostro como es necesario prestar atención a simples detalles para poder identificarlos, modificarlos y realzar aspectos positivos en nuestras fotografías.
Definiciones:
1. ¿Qué es foto digital?
La fotografía digital consiste en la grabación de imágenes mediante una cámara, de forma análoga a la fotografía clásica. Sin embargo, así como en esta última las imágenes quedan grabadas sobre una película y se revelan posteriormente mediante un proceso químico, en la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.
2. Definición de pixel
Un píxel o pixel (acrónimo del inglés picture element, "elemento de imagen") es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital, ya sea esta una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico. Ampliando lo suficiente una imagen digital (zoom), por ejemplo en la pantalla de un ordenador, pueden observarse los píxeles que componen la imagen. Los píxeles aparecen como pequeños cuadrados o rectángulos en color, en blanco o en negro, o en matices de gris. Las imágenes se forman como una matriz rectangular de píxeles, donde cada píxel forma un área relativamente pequeña respecto a la imagen total.
3. Definición de bitmap
BitMaP o Mapa de Bits. Extensión de archivos de imagen del formato llamado Mapa de Bits. En los mapa de bits existe una matriz de píxeles se le asigna una dirección asociada un código de color específico. Esto constituye una imagen.
Poseen una compresión sin pérdida de calidad y suelen ocupar mucho espacio de almacenamiento.
4. Definición de puntos por pulgada
Es la medida que se emplea en la evaluación de las impresoras. Se relaciona muy especialmente con la calidad de impresión. Cuanto mayor sea la cantidad de puntos por pulgada que imprima una impresora, más detallada será la imagen y más nítidos serán los bordes.
5. ¿Cómo se crean imágenes pixelares?
Cada pixel almacena información acerca de la imagen, que va a denotar en lo que se llama la profundidad de color, lo que vendría a ser todo lo referido al tono y a la luminosidad de la imagen. Esta información esta contenida en números, siendo el tono negro el valor 0 y el blanco el valor mas alto, lo que normalmente es 255, pero en Formato Binario, que es una notación numérica similar a la notación científica usada en los decimales, pero especifica para el sistema digital. Cualquier cifra en sistema decimal requiere tantos números como tenga la cifra para ser expresado, pero en el formato binario un numero de dos cifras requiere de mas números para ser expresado, pero todas estas varían entre el 1 y el 0, que son los números en los cuales se expresan todas las cifras, dado a la forma que tienen las computadoras de almacenar la información a base de micro interruptores; podemos decir que el 0 y el 1 son interruptores, pero es solo porque estos encienden en una posición y apagan en otra; bueno el uno significa una posición para el sistema binario y el 0 significa otra posición. Estos números por lo general, en conjunto, forman totales que son potencias de 2: 8, 16, 32. Estos 1 y 0 se llaman bits, y a cada conjunto de 8 bits se le llama Byte. Un número en Formato binario no puede tener menos de 8 bits, por lo cual se le completa hasta alcanzar 1 byte, que seria la cifra mínima de bits para los ordenadores.
Bibliografia:
www.wikipedia.com
http://pablopagura.blogspot.com/2007/09/imagenes-pixelares-codigo-binario.html
La fotografía digital consiste en la grabación de imágenes mediante una cámara, de forma análoga a la fotografía clásica. Sin embargo, así como en esta última las imágenes quedan grabadas sobre una película y se revelan posteriormente mediante un proceso químico, en la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.
2. Definición de pixel
Un píxel o pixel (acrónimo del inglés picture element, "elemento de imagen") es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital, ya sea esta una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico. Ampliando lo suficiente una imagen digital (zoom), por ejemplo en la pantalla de un ordenador, pueden observarse los píxeles que componen la imagen. Los píxeles aparecen como pequeños cuadrados o rectángulos en color, en blanco o en negro, o en matices de gris. Las imágenes se forman como una matriz rectangular de píxeles, donde cada píxel forma un área relativamente pequeña respecto a la imagen total.
3. Definición de bitmap
BitMaP o Mapa de Bits. Extensión de archivos de imagen del formato llamado Mapa de Bits. En los mapa de bits existe una matriz de píxeles se le asigna una dirección asociada un código de color específico. Esto constituye una imagen.
Poseen una compresión sin pérdida de calidad y suelen ocupar mucho espacio de almacenamiento.
4. Definición de puntos por pulgada
Es la medida que se emplea en la evaluación de las impresoras. Se relaciona muy especialmente con la calidad de impresión. Cuanto mayor sea la cantidad de puntos por pulgada que imprima una impresora, más detallada será la imagen y más nítidos serán los bordes.
5. ¿Cómo se crean imágenes pixelares?
Cada pixel almacena información acerca de la imagen, que va a denotar en lo que se llama la profundidad de color, lo que vendría a ser todo lo referido al tono y a la luminosidad de la imagen. Esta información esta contenida en números, siendo el tono negro el valor 0 y el blanco el valor mas alto, lo que normalmente es 255, pero en Formato Binario, que es una notación numérica similar a la notación científica usada en los decimales, pero especifica para el sistema digital. Cualquier cifra en sistema decimal requiere tantos números como tenga la cifra para ser expresado, pero en el formato binario un numero de dos cifras requiere de mas números para ser expresado, pero todas estas varían entre el 1 y el 0, que son los números en los cuales se expresan todas las cifras, dado a la forma que tienen las computadoras de almacenar la información a base de micro interruptores; podemos decir que el 0 y el 1 son interruptores, pero es solo porque estos encienden en una posición y apagan en otra; bueno el uno significa una posición para el sistema binario y el 0 significa otra posición. Estos números por lo general, en conjunto, forman totales que son potencias de 2: 8, 16, 32. Estos 1 y 0 se llaman bits, y a cada conjunto de 8 bits se le llama Byte. Un número en Formato binario no puede tener menos de 8 bits, por lo cual se le completa hasta alcanzar 1 byte, que seria la cifra mínima de bits para los ordenadores.
Bibliografia:
www.wikipedia.com
http://pablopagura.blogspot.com/2007/09/imagenes-pixelares-codigo-binario.html
Síntesis Apunte 5
Uso del Flash Electronico:
Nuestros ojos están equipados con bastones y conos, los primeros sirven para captar los reflejos de la luz en blanco y negro, mientras que los conos, que son menos numerosos captan los colores. A menor cantidad de luz, lo que predomina en nuestra visión son los bastones. Los conos dejan de percibir primeramente el rojo, conservando el azul, lo que da como resultado el efecto del desplazamiento de Purkinje. El espectro visible es el único rayo que nuestro ojo puede percibir, lo conostituyen 3 colores basicos: el Rojo, el Verde y el Azul que unidos forman la luz blanca. La escala de temperatura expresada en grados kelvin, indica la temperatura necesaria para calentar un cuerpo hasta que emita una luz de color equivalente.
Los sistemas de iluminación, se basan en el uso de energía eléctrica, los más usados son: los focos domésticos: son baratos y en color habría que utilizar filtros azules tan intensos que la iluminación bajaria hasta la mitad, que no tendria qeu ser utilizada. los halógenos: Estas lámparas, aún siendo de menor tamaño, producen una iluminación intensísima con potencias de 650 a 2.000 W, el color no varia en su vida, Flash: unidad de luz portatil que produce un destello muy breve cuando el tubo de vidrio lleno de gas de que consta recibe una descarga eléctrica.
El flash de estudio: Es una unidad grande, conectada a un condensador o a la corriente eléctrica, y que se monta sobre un tripié de altura regulable. Algunas de las ventajas del flash son:
La temperatura de color es similar a la del sol 5.500ºk y es constante, su iluminación suele ser intensa, la rapidez del flash normal permite congelar cualquier movimiento por rápido que sea. La Ley del Cuadrado Inverso: es la luz que recibe una superficie, que es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia a la que se encuentra de la fuente de luz si ésta es puntual" esta ley nos permite hacerlo en 3 pasos: Variar la distancia entre el flash y el sujeto. Cerrando o abriendo el diafragma y Acortando el brevísimo tiempo de destello del flash.
El flash electronico nos sirve cuando la iluminación no es suficiente. El flash electrónico permite aumentar el brillo, intensifica los colores y elimina el grano típico de las películas de alta sensibilidad.
Con respecto a la velocidad de la sincronización, entre el flash y el obturador, se debe ajustar una velocidad de obturación adecuada.si no lo hacemos de esta manera la foto probablemente se vera negra.
Tipos de Flash: Flash manual: es el tipo más simple que existe, la potencia de su destello no se puede controlar.
Flash automático: su funcionamiento esta basado en un sensor situado en el flash que regula la potencia del destello según la luz reflejada por el motivo.
Flash TTL: gracias a la medición a través del objetivo,los resultados con el flash, es más facil que nunca.
Usamos el flash en exteriores por tres razones principales: La primera es que el flash suaviza sombras excesivamente profundas, En segundo lugar, el flash es útil para eliminar los contrastes excesivos que se producen en fotografías a contraluz y en tercer lugar, el flash sirve para congelar el movimiento de los objetos como flores, tallos de hierba o banderas que se mueven en los días de viento, o bien de personas caminando o corriendo. La iluminación de relleno es indispensable cuando el principal problema de usar flash en exteriores,consiste en que, si la luz artificial supera a la luz ambiente, se producirá una imagen extraña.
La luz con flash convencional se da Cuando hay poca luz, especialmente en interiores,el flash se convierte en la fuente de iluminación principal. El flash revotado minimiza la intensidad de luz que el flash refleja sobre los retratos y sobre las sombras. El flash remoto: Para disparar un flash separado de la cámara necesitaremos un cable que mantenga la conexión entre ambos elementos.
Brazos extensores para flash: Situando el flash a unos 50 o 60 centímetros de la cámara e inclinado unos 45º hacia arriba y hacia un lado del sujeto, conseguiremos un efecto muy agradable, tanto en interiores como en exteriores.
El Control del efecto de ojos rojos: El efecto de ojos rojos, se produce cuando la luz del flash ilumina directamente la retina, en los vasos sanguineos, para evitar este efecto, podemos decirle a la persona , que evite ver directamente hacia el objetivo.
Los Modificadores de la luz: Un difusor o un reflector acoplado al flash suaviza la iluminación, de modo que se crean efectos más sutiles en interiores y se reducen las sombras en exteriores.
La utilización de varios flashes: Los profesionales a menudo utilizan varios flashes de estudio. Por ejemplo, tienen una luz principal para el modelo, otra para añadirle brillo al cabello, una tercera para iluminar el fondo, y otra por si se precisa una luz de relleno.
Nuestros ojos están equipados con bastones y conos, los primeros sirven para captar los reflejos de la luz en blanco y negro, mientras que los conos, que son menos numerosos captan los colores. A menor cantidad de luz, lo que predomina en nuestra visión son los bastones. Los conos dejan de percibir primeramente el rojo, conservando el azul, lo que da como resultado el efecto del desplazamiento de Purkinje. El espectro visible es el único rayo que nuestro ojo puede percibir, lo conostituyen 3 colores basicos: el Rojo, el Verde y el Azul que unidos forman la luz blanca. La escala de temperatura expresada en grados kelvin, indica la temperatura necesaria para calentar un cuerpo hasta que emita una luz de color equivalente.
Los sistemas de iluminación, se basan en el uso de energía eléctrica, los más usados son: los focos domésticos: son baratos y en color habría que utilizar filtros azules tan intensos que la iluminación bajaria hasta la mitad, que no tendria qeu ser utilizada. los halógenos: Estas lámparas, aún siendo de menor tamaño, producen una iluminación intensísima con potencias de 650 a 2.000 W, el color no varia en su vida, Flash: unidad de luz portatil que produce un destello muy breve cuando el tubo de vidrio lleno de gas de que consta recibe una descarga eléctrica.
El flash de estudio: Es una unidad grande, conectada a un condensador o a la corriente eléctrica, y que se monta sobre un tripié de altura regulable. Algunas de las ventajas del flash son:
La temperatura de color es similar a la del sol 5.500ºk y es constante, su iluminación suele ser intensa, la rapidez del flash normal permite congelar cualquier movimiento por rápido que sea. La Ley del Cuadrado Inverso: es la luz que recibe una superficie, que es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia a la que se encuentra de la fuente de luz si ésta es puntual" esta ley nos permite hacerlo en 3 pasos: Variar la distancia entre el flash y el sujeto. Cerrando o abriendo el diafragma y Acortando el brevísimo tiempo de destello del flash.
El flash electronico nos sirve cuando la iluminación no es suficiente. El flash electrónico permite aumentar el brillo, intensifica los colores y elimina el grano típico de las películas de alta sensibilidad.
Con respecto a la velocidad de la sincronización, entre el flash y el obturador, se debe ajustar una velocidad de obturación adecuada.si no lo hacemos de esta manera la foto probablemente se vera negra.
Tipos de Flash: Flash manual: es el tipo más simple que existe, la potencia de su destello no se puede controlar.
Flash automático: su funcionamiento esta basado en un sensor situado en el flash que regula la potencia del destello según la luz reflejada por el motivo.
Flash TTL: gracias a la medición a través del objetivo,los resultados con el flash, es más facil que nunca.
Usamos el flash en exteriores por tres razones principales: La primera es que el flash suaviza sombras excesivamente profundas, En segundo lugar, el flash es útil para eliminar los contrastes excesivos que se producen en fotografías a contraluz y en tercer lugar, el flash sirve para congelar el movimiento de los objetos como flores, tallos de hierba o banderas que se mueven en los días de viento, o bien de personas caminando o corriendo. La iluminación de relleno es indispensable cuando el principal problema de usar flash en exteriores,consiste en que, si la luz artificial supera a la luz ambiente, se producirá una imagen extraña.
La luz con flash convencional se da Cuando hay poca luz, especialmente en interiores,el flash se convierte en la fuente de iluminación principal. El flash revotado minimiza la intensidad de luz que el flash refleja sobre los retratos y sobre las sombras. El flash remoto: Para disparar un flash separado de la cámara necesitaremos un cable que mantenga la conexión entre ambos elementos.
Brazos extensores para flash: Situando el flash a unos 50 o 60 centímetros de la cámara e inclinado unos 45º hacia arriba y hacia un lado del sujeto, conseguiremos un efecto muy agradable, tanto en interiores como en exteriores.
El Control del efecto de ojos rojos: El efecto de ojos rojos, se produce cuando la luz del flash ilumina directamente la retina, en los vasos sanguineos, para evitar este efecto, podemos decirle a la persona , que evite ver directamente hacia el objetivo.
Los Modificadores de la luz: Un difusor o un reflector acoplado al flash suaviza la iluminación, de modo que se crean efectos más sutiles en interiores y se reducen las sombras en exteriores.
La utilización de varios flashes: Los profesionales a menudo utilizan varios flashes de estudio. Por ejemplo, tienen una luz principal para el modelo, otra para añadirle brillo al cabello, una tercera para iluminar el fondo, y otra por si se precisa una luz de relleno.
Síntesis Apunte 4
Conocimientos Basicos de la Luz
La luz es la energía radiante que una persona puede percibir a través del sentido de la vista, posee varias características: La luz es un tipo de radiación que viaja a una gran velocidad: 299,000 km/s para ser exactos. Se clasifica por su: intensidad, su color y su calidad. La luz más conocida por todos, es la que es producida a través del sol, también la de las lámparas eléctricas y de los materiales que se calientan. La luz atraviesa las sustancias transparentes como el vidrio y el cristal y rebota en los objetos opacos, que relejan la luz. La luz es fundamental, pues sin ella, no podríamos ver nada.
Las superficies lisas y brillantes reflejan casi toda la luz que reciben, mientras que las más oscuras y rugosas reflejan menos luz y absorben más. Las partículas como las que son formadas por el polvo y el humo, dispersan la luz en todas las direcciones.
Existen dos tipos particulares de clasificar a la luz:
Luz Natural: no puede ser controlada por nosotros, sino que nos tenemos q habituar a ella, no es una fuente de iluminación constante, su dirección cambia a medida que el Sol avanza por el cielo, Las sombras cambian de forma y posición y los ángulos en que la luz entra en las escenas alteran su condición, La iluminación frontal revela los detalles, pero minimiza la sensación de profundidad y la composición de las formas, La iluminación oblicua y la lateral revelan la textura y las formas, El contraluz produce siluetas. Se llama "plana" a la iluminación uniforme y no direccional. Esta iluminación revela los detalles pero aplana las formas.
Luz Artificial: es la que podemos manejar para nuestro propio beneficio, es aquella energía que no es producida por una fuente natural como: una lámpara fotográfica o un flash. Las emulsiones fotográficas no son igual de sensibles a la luz natural que a la artificial. Toda luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales. La luz natural es más difícil de controlar, pues cambia constantemente de intensidad, dirección, calidad y color, sin embargo es intensa, cubre grandes espacios y es gratis. Con la luz artificial, todos los puntos mencionados arriba se pueden manejar, pero resulta más cara e incómoda de usar y además limita la extensión de la superficie iluminable.
Los principales factores que determinan la iluminación son:
1.- El origen: determina muchas veces el resto de los factores.
2.- El número: influye sobre el contraste y el modelado de la imagen.
3.-La dirección: de la luz y la altura desde la que incide tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. La dirección de la luz también depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores.
La luz es la energía radiante que una persona puede percibir a través del sentido de la vista, posee varias características: La luz es un tipo de radiación que viaja a una gran velocidad: 299,000 km/s para ser exactos. Se clasifica por su: intensidad, su color y su calidad. La luz más conocida por todos, es la que es producida a través del sol, también la de las lámparas eléctricas y de los materiales que se calientan. La luz atraviesa las sustancias transparentes como el vidrio y el cristal y rebota en los objetos opacos, que relejan la luz. La luz es fundamental, pues sin ella, no podríamos ver nada.
Las superficies lisas y brillantes reflejan casi toda la luz que reciben, mientras que las más oscuras y rugosas reflejan menos luz y absorben más. Las partículas como las que son formadas por el polvo y el humo, dispersan la luz en todas las direcciones.
Existen dos tipos particulares de clasificar a la luz:
Luz Natural: no puede ser controlada por nosotros, sino que nos tenemos q habituar a ella, no es una fuente de iluminación constante, su dirección cambia a medida que el Sol avanza por el cielo, Las sombras cambian de forma y posición y los ángulos en que la luz entra en las escenas alteran su condición, La iluminación frontal revela los detalles, pero minimiza la sensación de profundidad y la composición de las formas, La iluminación oblicua y la lateral revelan la textura y las formas, El contraluz produce siluetas. Se llama "plana" a la iluminación uniforme y no direccional. Esta iluminación revela los detalles pero aplana las formas.
Luz Artificial: es la que podemos manejar para nuestro propio beneficio, es aquella energía que no es producida por una fuente natural como: una lámpara fotográfica o un flash. Las emulsiones fotográficas no son igual de sensibles a la luz natural que a la artificial. Toda luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales. La luz natural es más difícil de controlar, pues cambia constantemente de intensidad, dirección, calidad y color, sin embargo es intensa, cubre grandes espacios y es gratis. Con la luz artificial, todos los puntos mencionados arriba se pueden manejar, pero resulta más cara e incómoda de usar y además limita la extensión de la superficie iluminable.
Los principales factores que determinan la iluminación son:
1.- El origen: determina muchas veces el resto de los factores.
2.- El número: influye sobre el contraste y el modelado de la imagen.
3.-La dirección: de la luz y la altura desde la que incide tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. La dirección de la luz también depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores.
Síntesis Apunte 3
Montaje de Estudio
El Montaje de Estudio se divide en tres partes, primero la Instalación de un estudio, que consiste básicamente en la preparación adecuada de todos los materiales necesarios para poder construir el estudio, es necesario un espacio lo suficientemente grande para poder tener un espacio preferente a la cámara, luces, y al fotógrafo. Se recomienda un espacio cerrado para que no entre luz.
Con respecto a la electricidad la sala estará completamente iluminada, las paredes serán utilizadas como fondos, para lo cual hay que elegir las más adecuadas según la perspectiva de cada quien, se puede emplear enchufe para poder conectarlo por medio de un cable, a una caja de distribución. Hay que asegurarse de que la carga máxima de luces de incandescencia y el flash no sobrepase la potencia del circuito. También se puede utilizar un ventilador o un acondicionador.
Con respecto a los fondos, el más simple es la pared, una pared blanca puede aparecer en cualquier tono desde el blanco hasta casi el negro según sea su iluminación, para tomar figuras enteras, se requiere de una superficie curva continua. Con respecto a los accesorios del estudio también se necesita: sitio para trastos, materiales para decorados y paneles reflectores, que a su ves consisten en armazones de madera articulados de unos 2 m de alto cubiertos por una cara con papel blanco y contrachapado pintado. Pueden situarse cerca de un decorado para rellenar las sombras o actuar como fuente principal de luz reflejada. Las cajas y bloques de madera son útiles para apoyar y elevar objetos o equipo. Una pequeña plataforma vendrá bien para el sujeto o la cámara. También se necesita un armario para guardar utilería en general como antigüedades y objetos curiosos, trozos de madera bien texturizados o piedras, tejidos, paños y herramientas como: martillo y clavos, sierra, grapadora, cinta adhesiva.
La segunda parte consiste en el soporte para objetos pequeños: Como bodegón, cristalería y platería, Las pequeñas naturalezas muertas pueden ordenarse en una mesa, empleando como fondo una gran superficie de papel sujeta a la pared de atrás, aunque esto impide iluminar desde atrás. Un soporte independiente con un folio ajustable permite iluminar desde todas las direcciones. Puede construirse uno que es elaborado con una hoja de plástico flexible opal curvada, que se iluminará desde delante o desde atrás, de forma que los objetos parezcan flotar en un fondo blanco o de color sin sombras.
Por ultimo tenemos la construcción de fondos y decorados .Hay rollos de papel de 2.7 m de ancho que permiten formar fondos de diferentes colores .La mejor forma de usarlos en el estudio es colgar uno o más rollos casi a la altura del techo. Hay también colgadores sujetos entre un par de barras fijas al suelo y techo. E incluso puede hacerse un soporte con ruedas para un solo rollo transportable por el estudio. Los decorados que imitan el rincón de una casa, una ventana, etc., se construyen con tableros unidos a ventanas o puertas. La superficie frontal se cubre con papel pintado. .
El Montaje de Estudio se divide en tres partes, primero la Instalación de un estudio, que consiste básicamente en la preparación adecuada de todos los materiales necesarios para poder construir el estudio, es necesario un espacio lo suficientemente grande para poder tener un espacio preferente a la cámara, luces, y al fotógrafo. Se recomienda un espacio cerrado para que no entre luz.
Con respecto a la electricidad la sala estará completamente iluminada, las paredes serán utilizadas como fondos, para lo cual hay que elegir las más adecuadas según la perspectiva de cada quien, se puede emplear enchufe para poder conectarlo por medio de un cable, a una caja de distribución. Hay que asegurarse de que la carga máxima de luces de incandescencia y el flash no sobrepase la potencia del circuito. También se puede utilizar un ventilador o un acondicionador.
Con respecto a los fondos, el más simple es la pared, una pared blanca puede aparecer en cualquier tono desde el blanco hasta casi el negro según sea su iluminación, para tomar figuras enteras, se requiere de una superficie curva continua. Con respecto a los accesorios del estudio también se necesita: sitio para trastos, materiales para decorados y paneles reflectores, que a su ves consisten en armazones de madera articulados de unos 2 m de alto cubiertos por una cara con papel blanco y contrachapado pintado. Pueden situarse cerca de un decorado para rellenar las sombras o actuar como fuente principal de luz reflejada. Las cajas y bloques de madera son útiles para apoyar y elevar objetos o equipo. Una pequeña plataforma vendrá bien para el sujeto o la cámara. También se necesita un armario para guardar utilería en general como antigüedades y objetos curiosos, trozos de madera bien texturizados o piedras, tejidos, paños y herramientas como: martillo y clavos, sierra, grapadora, cinta adhesiva.
La segunda parte consiste en el soporte para objetos pequeños: Como bodegón, cristalería y platería, Las pequeñas naturalezas muertas pueden ordenarse en una mesa, empleando como fondo una gran superficie de papel sujeta a la pared de atrás, aunque esto impide iluminar desde atrás. Un soporte independiente con un folio ajustable permite iluminar desde todas las direcciones. Puede construirse uno que es elaborado con una hoja de plástico flexible opal curvada, que se iluminará desde delante o desde atrás, de forma que los objetos parezcan flotar en un fondo blanco o de color sin sombras.
Por ultimo tenemos la construcción de fondos y decorados .Hay rollos de papel de 2.7 m de ancho que permiten formar fondos de diferentes colores .La mejor forma de usarlos en el estudio es colgar uno o más rollos casi a la altura del techo. Hay también colgadores sujetos entre un par de barras fijas al suelo y techo. E incluso puede hacerse un soporte con ruedas para un solo rollo transportable por el estudio. Los decorados que imitan el rincón de una casa, una ventana, etc., se construyen con tableros unidos a ventanas o puertas. La superficie frontal se cubre con papel pintado. .
Síntesis Apunte 2
Remplazar la Película
La tecnología digital acabará remplazando a la película, esto será paulatinamente y exeptuando los casos de áreas especializadas.
Mientras que en la película las capas de color están dispuestas unas sobre otras, los receptores de pixeles tienen que situarse lado con lado.
En esta etapa de la tecnología digital, los pixeles tienen mucho valor al tratar de incorporar mas pixeles en un chip, pero implica perder un tercio de su resolución al para cada color de la imagen.
El nuevo competidor del sistema CCD es el CMOS que es un chip de memoria convencional con un captor sensible a la luz en cada célula lo que su fabricación es mucho más barata y procesa la información directamente.
El punto principal de este tema es sin duda la calidad de resolución, los detalles captados por el sensor y el tamaño máximo posible de ampliación.
Los últimos avances en la tecnología CMOS incluyen captar imágenes de 16 mega pixeles lo que acerca la resolución digital a la fotoquímica.
La tecnología digital acabará remplazando a la película, esto será paulatinamente y exeptuando los casos de áreas especializadas.
Mientras que en la película las capas de color están dispuestas unas sobre otras, los receptores de pixeles tienen que situarse lado con lado.
En esta etapa de la tecnología digital, los pixeles tienen mucho valor al tratar de incorporar mas pixeles en un chip, pero implica perder un tercio de su resolución al para cada color de la imagen.
El nuevo competidor del sistema CCD es el CMOS que es un chip de memoria convencional con un captor sensible a la luz en cada célula lo que su fabricación es mucho más barata y procesa la información directamente.
El punto principal de este tema es sin duda la calidad de resolución, los detalles captados por el sensor y el tamaño máximo posible de ampliación.
Los últimos avances en la tecnología CMOS incluyen captar imágenes de 16 mega pixeles lo que acerca la resolución digital a la fotoquímica.
Síntesis Apunte 1
La fotografía hoy en día se esta introduciendo en el mundo digital y todos los fabricantes de cámaras y películas, reconocen el cambio que se está produciendo. Las cámaras digitales estan presentando una tecnología poco favorable para las fotos tradicionales, esta evolucionando porque la tecnología la esta haciendo posible y lo más importante porque sus ventajas han penetrado entre los usuarios, los fabricantes se han visto obligados a invertir y producir para sobrevivir, porque la nueva tecnología les perjudica, los únicos que salen ganando son los consumidores. Las ventajas de grabar imágenes digitalmente hoy en día son muchas, están basadas en el hecho de que las imágenes se regristran de un modo procesable.
En el proceso de la imágen desde el registro hasta la copia, la corrección y la manipulación de la imágen se lleva a cabo de manera muy fácil y no hay pérdidas en la calidad de la imágen. El resultado de esto es que las imágenes digitales no se reducen y las copias son idénticas a diferencia de la fotografia basada en la pélicula fotoquímica donde cada generación extraída del negativo o diapositiva original sufre una pequeña disminución.
La foto digital facilita la fotografía a quienes buscan un medio rápido y eficaz de captar imágenes, ofrece más control al perfeccionista. La miniaturización de los chips de computación dentro de las cámaras digitales hace posible que evolucionen al mismo tiempo que lo hace la tecnología. Los procedimientos digitales están cambiando a la fotografía de varias formas, el acto de captar una imágen del mundo real más o menos de forma instantánea, fijarla en la emulsión, dio a la fotografía una reputación de honestidad intachable. La cámara registraba lo que el fotografo veia en ese momento y en ese lugar. Uno de los fotografos más grandes de paisaje, Ansel Adams escribió: "El negativo es el medio, la copia el resultado". la manipulación digital ofrece no sólo una oportunidad para dar forma al resultado, sino también la opción de escribir el medio.
El píxel, la unidad de brillo y color en una imágen, casi no se piensa en ellos pero están presentes entre nosotros desde hace ya mucho tiempo . La impresión de semitono utiliza puntos de unos pocos colores puro,s dispuestos, muy juntos, para imitar el efecto de una fotografía de suave gradación tonal. El pintor francés impresionista del siglo XIX George Seurat formó imágenes aplicando pequeños puntos de pintura sobre el lienzo , El efecto es el mismo: si se aleja lo suficiente, el ojo no es capaz de distinguir los puntos, de modo que procesa la información como una imágen reconocible.
Los ordenadores y los programas son de gran importancia en el mundo de las cámaras digitales. Todo mejora y cambia constantemente.
En el proceso de la imágen desde el registro hasta la copia, la corrección y la manipulación de la imágen se lleva a cabo de manera muy fácil y no hay pérdidas en la calidad de la imágen. El resultado de esto es que las imágenes digitales no se reducen y las copias son idénticas a diferencia de la fotografia basada en la pélicula fotoquímica donde cada generación extraída del negativo o diapositiva original sufre una pequeña disminución.
La foto digital facilita la fotografía a quienes buscan un medio rápido y eficaz de captar imágenes, ofrece más control al perfeccionista. La miniaturización de los chips de computación dentro de las cámaras digitales hace posible que evolucionen al mismo tiempo que lo hace la tecnología. Los procedimientos digitales están cambiando a la fotografía de varias formas, el acto de captar una imágen del mundo real más o menos de forma instantánea, fijarla en la emulsión, dio a la fotografía una reputación de honestidad intachable. La cámara registraba lo que el fotografo veia en ese momento y en ese lugar. Uno de los fotografos más grandes de paisaje, Ansel Adams escribió: "El negativo es el medio, la copia el resultado". la manipulación digital ofrece no sólo una oportunidad para dar forma al resultado, sino también la opción de escribir el medio.
El píxel, la unidad de brillo y color en una imágen, casi no se piensa en ellos pero están presentes entre nosotros desde hace ya mucho tiempo . La impresión de semitono utiliza puntos de unos pocos colores puro,s dispuestos, muy juntos, para imitar el efecto de una fotografía de suave gradación tonal. El pintor francés impresionista del siglo XIX George Seurat formó imágenes aplicando pequeños puntos de pintura sobre el lienzo , El efecto es el mismo: si se aleja lo suficiente, el ojo no es capaz de distinguir los puntos, de modo que procesa la información como una imágen reconocible.
Los ordenadores y los programas son de gran importancia en el mundo de las cámaras digitales. Todo mejora y cambia constantemente.
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Definiciones 2:
1.Sistema Binario: Es la forma ejecutable de un fichero o programa que sólo puede ser interpretado por una computadora, lo contrario de código fuente.
2.Bit: Es la unidad más pequeña de información que utiliza un ordenador.
3.Byte: es la unidad fundamental de datos en los ordenadores personales, un byte son ocho bits contiguos, también es la unidad de medida básica para memoria, almacenando el equivalente a un carácter.
4.Kilobyte: Unidad de medida de cantidad de datos. Con esta unidad se pueden medir velocidades de transferencia (agregándose una unidad de tiempo), capacidad de almacenamiento, tamaño de archivos, etc.
5.Megabyte: (MB) es una unidad de medida de cantidad de datos informáticos. Equivale a un millon de bytes, o mil kilobytes (exactamente 1,048,576 bytes).
6.Gigabyte: es una unidad de medida informática cuyo símbolo es el GB, y puede equivalerse a 230 bytes o a 109 bytes, según el uso.
Bibliografía:
http://www.alegsa.com.ar/Dic/binario.php
http://www.masadelante.com/faqs/byte
http://www.pergaminovirtual.com.ar/definicion/Megabyte.html
2.Bit: Es la unidad más pequeña de información que utiliza un ordenador.
3.Byte: es la unidad fundamental de datos en los ordenadores personales, un byte son ocho bits contiguos, también es la unidad de medida básica para memoria, almacenando el equivalente a un carácter.
4.Kilobyte: Unidad de medida de cantidad de datos. Con esta unidad se pueden medir velocidades de transferencia (agregándose una unidad de tiempo), capacidad de almacenamiento, tamaño de archivos, etc.
5.Megabyte: (MB) es una unidad de medida de cantidad de datos informáticos. Equivale a un millon de bytes, o mil kilobytes (exactamente 1,048,576 bytes).
6.Gigabyte: es una unidad de medida informática cuyo símbolo es el GB, y puede equivalerse a 230 bytes o a 109 bytes, según el uso.
Bibliografía:
http://www.alegsa.com.ar/Dic/binario.php
http://www.masadelante.com/faqs/byte
http://www.pergaminovirtual.com.ar/definicion/Megabyte.html
domingo, 7 de febrero de 2010
Tarea 1: Comentario Documental
Clara Rebeca Iriarte Piñón
30 de Enero de 2010
Documental: Los fotógrafos de National Geographic
El tema central de este documental me pareció que se refería a la pasión que obliga a los fotógrafos a entrar en contacto con entornos, culturas y sociedades totalmente ajenos a ellos. La serie de choques culturales e incomodidades que los fotógrafos tienen que experimentar para captar en una floto todo el ambiente y experiencias que ellos viven en sus viajes.
Más que un trabajo ellos lo ven como un hobbie que potencializa todas las cualidades y perspectivas personales de cada fotógrafo; es muy interesante ver que se necesita mucha habilidad, tiempo y experiencia para poder desarrollar un estilo “propio” que es ese grupo de características que cada fotógrafo le imprime a sus fotografías, pienso que al no poder firmar las fotografías como si fueran una obra de arte, de tipo escultural o pictórico, los fotógrafos manifiestan su personalidad en el estilo de sus fotografías, marcando de una manera sutil pero visible que las fotografías en cuestión plasman sus sentimientos y por lo tanto les pertenecen.
Cada fotógrafo mostró un interés en particular, por ejemplo la foto acuática, los rostros icónicos pertenecientes a sociedades antiguas, animales, mujeres islámicas, etc., trabajar par la revista de National Geographic les permite concentrarse en cada una de las áreas fotográficas que a cada uno de ellos le interesa más, ya que trabajar en algo que realmente te gusta hace que te destaques y tengas mayores estándares de calidad, sabiendo esto la Nat. Geo. Aprovecha cada uno de los recursos creativos de sus fotógrafos y por lo tanto los deja experimentar.
Para mí la base de toda innovación original es la experimentación, y los fotógrafos del video se veían extremadamente sensibles a todo el mundo que los rodeaba lo que les daba mucha inspiración para tratar de hacer cosas nuevas en cuanto a la visión artística de sus trabajos.
A mi me gustó mucho cuando un fotógrafo relató la experiencia que tuvo al poder hacer una diferencia en la vida de alguien mediante su trabajo fotográfico; el fotógrafo solía pensar que en su trabajo solo se limitaba a ser espectador de las situaciones que observaba y capturaba, hasta que una día en un pequeño poblado de Perú, se topó con un niño pequeño en un gran estado de sufrimiento, en un accidente un carro había atropellado a varias ovejas de su rebaño aniquilando así una gran parte de la economía familiar del niño en cuestión, el fotógrafo capturó el momento exacto del punto álgido del llanto del niño; al ser publicada la foto con su respectiva reseña de los hechos varias personas se conmovieron y donaron mucho dinero para el pequeño peruano, tanta fue la respuesta de los lectores y las aportaciones económicas que se decidió crear una asociación protectora de la infancia en esa región de Perú, lo que hizo que el fotógrafo tuviera una perspectiva completamente diferente al darse cuenta del cambio tan significativo de vida que él logró en una parte de la sociedad que retrató.
Este documental hizo que respetara y apreciara todos los riesgos a los que están expuestos los fotógrafos con tal de seguir perfeccionando su arte, que es algo valiosísimo para todas las personas que todavía no logramos entender culturas de países tan lejanos a nosotros.
30 de Enero de 2010
Documental: Los fotógrafos de National Geographic
El tema central de este documental me pareció que se refería a la pasión que obliga a los fotógrafos a entrar en contacto con entornos, culturas y sociedades totalmente ajenos a ellos. La serie de choques culturales e incomodidades que los fotógrafos tienen que experimentar para captar en una floto todo el ambiente y experiencias que ellos viven en sus viajes.
Más que un trabajo ellos lo ven como un hobbie que potencializa todas las cualidades y perspectivas personales de cada fotógrafo; es muy interesante ver que se necesita mucha habilidad, tiempo y experiencia para poder desarrollar un estilo “propio” que es ese grupo de características que cada fotógrafo le imprime a sus fotografías, pienso que al no poder firmar las fotografías como si fueran una obra de arte, de tipo escultural o pictórico, los fotógrafos manifiestan su personalidad en el estilo de sus fotografías, marcando de una manera sutil pero visible que las fotografías en cuestión plasman sus sentimientos y por lo tanto les pertenecen.
Cada fotógrafo mostró un interés en particular, por ejemplo la foto acuática, los rostros icónicos pertenecientes a sociedades antiguas, animales, mujeres islámicas, etc., trabajar par la revista de National Geographic les permite concentrarse en cada una de las áreas fotográficas que a cada uno de ellos le interesa más, ya que trabajar en algo que realmente te gusta hace que te destaques y tengas mayores estándares de calidad, sabiendo esto la Nat. Geo. Aprovecha cada uno de los recursos creativos de sus fotógrafos y por lo tanto los deja experimentar.
Para mí la base de toda innovación original es la experimentación, y los fotógrafos del video se veían extremadamente sensibles a todo el mundo que los rodeaba lo que les daba mucha inspiración para tratar de hacer cosas nuevas en cuanto a la visión artística de sus trabajos.
A mi me gustó mucho cuando un fotógrafo relató la experiencia que tuvo al poder hacer una diferencia en la vida de alguien mediante su trabajo fotográfico; el fotógrafo solía pensar que en su trabajo solo se limitaba a ser espectador de las situaciones que observaba y capturaba, hasta que una día en un pequeño poblado de Perú, se topó con un niño pequeño en un gran estado de sufrimiento, en un accidente un carro había atropellado a varias ovejas de su rebaño aniquilando así una gran parte de la economía familiar del niño en cuestión, el fotógrafo capturó el momento exacto del punto álgido del llanto del niño; al ser publicada la foto con su respectiva reseña de los hechos varias personas se conmovieron y donaron mucho dinero para el pequeño peruano, tanta fue la respuesta de los lectores y las aportaciones económicas que se decidió crear una asociación protectora de la infancia en esa región de Perú, lo que hizo que el fotógrafo tuviera una perspectiva completamente diferente al darse cuenta del cambio tan significativo de vida que él logró en una parte de la sociedad que retrató.
Este documental hizo que respetara y apreciara todos los riesgos a los que están expuestos los fotógrafos con tal de seguir perfeccionando su arte, que es algo valiosísimo para todas las personas que todavía no logramos entender culturas de países tan lejanos a nosotros.
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